DE LA IMPORTANCIA DE SEGUIR UN BLOG...

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SIEMPRE ME HA PARECIDO INTERESANTE E IMPORTANTE QUE EXISTEN BLOGS.

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UN BLOG ES OTRA COSA QUE UNA PÁGINA DE FACEBOOK (donde vamos de una publicación a otra sin normalmente pasar más de 5 segundos en cada una...).

UN BLOG ES UN ESPACIO DONDE SE VA MÁS A FONDO (sin necesidad de extenderse demasiado).

HOY, MÁS QUE NUNCA, QUIERO HABLAROS DE

LA IMPORTANCIA DE SEGUIR UN BLOG

Ilustración del post "Con razón se me cae el pelo"

en el blog "De Arte y Derivados" de Susana López-Varó

EMOCIONES Y ARTE - LA CRISIS DE SIEMPRE

Antes de empezar a leer este post os recuerdo de nuevo que procuro siempre poner muchos enlaces para que tengáis la máxima información posible... pero os aconsejo leer primero el post hasta el final y luego volver para clicar en los enlaces que os interesen (textos en azul), para no perder el hilo y no perderos... en la red.

Ayer (miércoles 11 de abril), en el marco del curso "¿Pero... Eso es Arte?" de la Universidad Popular  del Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles, Yayo Aznar (doctora en Historia del Arte, profesora de universidad e investigadora sobre la producción artística desde 1968 hasta nuestros días y el Arte frente a las exigencias del poder) nos invitó a hacer un "Paseo por la crisis de siempre".

El texto de presentación de esta conferencia/charla era el siguiente :


El yo racional contemporáneo (occidental, heterosexual, masculino, blanco y de clase media) estalló, a partir de los ochenta, en mil pedazos gracias al reconocimiento de subjetividades nuevas y hasta ahora ignoradas. Son los otros entre/dentro de nosotros: mujeres, homosexuales, enfermos, locos, infames… Analizaremos como el arte se ha ocupado de acompañar sus voces y sus crisis. 

Ferran Barenblit (director del CA2M) y Yayo Aznar
en la salida de una clase de "Pero... ¿Eso es Arte?"

Las obras presentadas para nuestra reflexión dieron pie a un debate donde se habló de la influencia de los medios de expresión y comunicación sobre nuestra manera de sentir. A través de sus obras, alguna/os Artistas denuncian el efecto perverso de esta influencia externa que nos evita "sentir" porque todo está "ya sentido" por otros... por los medios de expresión/comunicación o por alguna/os Artistas como ocurre en las obras de Tony Oursler cuando sus muñecos de trapo se transforman en objetos de la influencia de los medios de información/comunicación mediante la reproducción de un vídeo de zapping visual y auditivo sacado de estos medios sobre las "cabezas" (globos donde se reproduce el vídeo) de estos muñecos de trapo que podemos ser todos nosotros... reflejos del mundo exterior, personas que se quedan sin intimidad, sin alma, sin capacidad de sentir por si mismos.

"We have no free will" by Tony Oursler

Esa sutil manera de influir sobre nuestro "sentir" es a veces utilizada con fines políticos o sociales, como Yayo Aznar recalcó tomando el ejemplo de la obra "The Passions" de Bill Viola : una puesta en escena (inspirada estéticamente hablando en la pintura del Renacimiento) donde los cuerpos y las caras de los actores expresan estas "pasiones". El dolor silencioso "ya sentido" (por los actores) se traslada al espectador y le inunde de un "sentir" igualmente doloroso. Los atentados del 11S, según explicó Yayo Aznar, son el motivo de dicho dolor y es allí donde la profesora de Historia del Arte ve la posible manipulación del Artista que mediante actuación teatral (ya que son actores) nos induce al sentimiento que deberíamos tener frente a este acontecimiento.

The passions by Bill Viola

El estudio de las obras presentadas y la charla acerca de ellas nos llevaron a hablar de la "politización" del Arte que ocurre cuando la/os Artistas están "al servicio" de un sistema político utilizando este sutil "ya sentido" por otros (artista, medios de información/comunicación, poderes públicos, etc...)  para llegar a influenciar y/o invadir nuestro propio "sentir".

En este sentido va la denuncia/advertencia del Artista catalán Antoni Muntadas en su obra : "La Percepción requiere Participación"

"La Percepción requiere Participación" by Antoni Muntadas

Ésa es la síntesis de dos horas de interesantes reflexiones compartidas entre el público y Yayo Aznar sobre la crisis del yo racional contemporáneo y el surgimiento de los discursos y voces de los "otros" entre/dentro de "nosotros", a través de éstas y más obras contemporáneas presentadas como punto de partida para su estudio desde este enfoque particular.

Me quedo al final con estas dos reflexiones oídas durante la charla y os las dejo para vuestra reflexión personal :
"Cuando se gestionan las emociones de la gente, cuando se "estetizan" las pasiones (dolor, miedo, etc...) hay consecuencias políticas"
"Enseñando ciertas emociones puede haber manipulación de lo que sientes, induciendo estas mismas emociones en el perceptor de la obra"


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¿EL MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS VIVEN YA FUERA DE LA SOCIEDAD?

Desde el principio de la crisis, pero de manera más precisa desde el inicio del movimiento 15M que pretende globalizarse el 15Oct, mañana, una pregunta me ronda la cabeza.

¿EL MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS 

VIVEN YA FUERA DE LA SOCIEDAD?

A través de mi perfil de Facebook, tengo contacto con cerca de 900 personas. La mayoría de estas personas son Artistas españoles, pero también los hay de muchos otros países. Todos los días veo un montón de documentos sobre sus obras recientes. 

Navegando en la red, me meto en páginas de Artistas, de ferias de Arte, de galerías de Arte. 

En resumen, digamos que estoy medianamente bien informada sobre lo que se hace en Arte en estos momentos... y siempre vuelve la misma pregunta  : 

¿EL MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS 

VIVEN YA FUERA DE LA SOCIEDAD?

Foto de Vicky Montero RTVE
sacada de Flickr . Enlace AQUÍ

Esta reflexión se inició desde el principio de la crisis. Era un momento en el cual se suponía (yo por lo menos suponía) que el Arte contemporáneo (nunca mejor dicho) iba a ser el reflejo del malestar social generalizado, de las protestas que en un momento o en otro iban a verse en la calle, de la crítica del funcionamiento de la sociedad. No se movía nada. Pasaba el tiempo, se instaló la crisis y tres cuartos de lo mismo. Los Artistas parecían seguir sin darse por aludidos... o por lo menos se refleja muy poco en las obras que pasan por mis ojos.. 

El hecho es que a ellas y ellos también les afecta la crisis... y mucho!!!!

¿Porqué no se ve más Arte conceptualizando, reflexionando sobre lo que pasa en estos momentos en la sociedad?

Lo único que veo (y en gran cantidad) son fotos sacadas (cámaras o móviles me da lo mismo) en la calle, en las manifestaciones. Algún trabajo gráfico para llamar la atención sobre los temas actuales que nos preocupan tanto... pero no hay mucho más. Nada o casi nada de obras de Arte que me reconforten en el momento de pensar que los Artistas siguen siendo partícipes o por lo menos espectadores de lo que ocurre en la sociedad. 

No es suficiente ver las noticias en los telediarios. 

No es suficiente leer online todo lo que se discute en un momento diario. 

No es suficiente compartir un cartel o una foto del 15M en Facebook. 

Quiero ver muchas más obras (lo que yo llamo obras de Arte verdaderamente) acorde con lo que vive la sociedad en estos momentos... para dejar de preguntarme :

¿EL MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS 

VIVEN YA FUERA DE LA SOCIEDAD?

(Sé que me repito pero me he planteado esta pregunta tantas veces antes de hacerla pública)

Os dejo un link para seguir reflexionando sobre el efecto del 15M sobre el Arte. No dejéis de leer el comentario dejado por un Artista a esta entrada... 

Clicar AQUÍ para leerlo. 

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ACENTO PUESTO SOBRE NUEVOS Y JÓVENES ARTISTAS

Es deseable que en el Arte se vean nuevas caras, nuevas visiones, nuevas técnicas pero a veces el exceso de artículos y exposiciones que ponen el acento sobre los nuevos y jóvenes Artistas me provoca un efecto de sobredosis.

Por supuesto, es necesario dar voz a la creación más vanguardista, pero los jóvenes creadores no tienen el monopolio de ser vanguardistas. Rotundamente NO!

Foto sacada en la exposición VERTICES de DANIEL CANOGAR 

en la FUNDACIÓN CANAL ISABEL II de Madrid 

Primavera 2011

Muchos Artistas con una mediana o larga trayectoria en el mundo del Arte, con creaciones fruto de muchos años de trabajo y meditada reflexión, crean obras de profundo calado, muy actuales y de gran calidad. 

A estos Artistas dedico esta entrada de hoy. 

PROFESIÓN : ARTISTA

Cartel descargado (con autorización previa) de la página de Facebook 

PÁGAME MI ACTUACIÓN Y NO ME CUENTES TU VIDA

Este cartel visto en Facebook ilustra perfectamente un malestar muy frecuente entre los Artistas por el  reconocimiento de su trabajo, mediante el precio de sus obras.

Todos conocemos a Artistas que se ganan la vida con otro trabajo por no sacar suficiente dinero con las ventas de sus obras. Yo conozco a muchos... También conozco a Artistas que viven de la venta de sus obras. Eso se consigue cuando su trayectoria artística ha sido reconocida por exponer museos con fama, en "galerías de marca" (galerías cuya fama asegura potencialmente al comprador de Arte una buena compra adecuada al precio que paga por ella) o por haber recibido premios de renombre. No es fácil que ocurra esto, de ahí el poco número de Artistas que logran vivir de su Arte.

El tema de mi reflexión de hoy es :

¿Porqué se sigue considerando el Arte como algo superfluo que puede llegar a poner en duda el precio que hay que pagar por él?

Se puede ser artista por hobby, pero no se puede considerar a todos los artistas como gente que lo practica por hobby. Una sociedad avanzada debería considerar mejor a los Artistas, a las personas que crean porque tienen la necesidad de crear, a las personas que eligen como profesión : Artista.

La consideración de cualquier profesión se calcula con el precio que se paga por el trabajo realizado.
El papel del Arte y de los Artistas es muy importante en el desarrollo de la sociedad, mucho más importante que lo que mucha gente cree. Eso también es algo que debemos trasmitir entre todos. Sólo de esta manera se considerará más y mejor al trabajo de los Artistas, reconociendo su precio como fruto de este trabajo.

Hasta que el Arte no sea considerado por la sociedad como algo necesario para el crecimiento personal e individual de cada uno y algo necesario para crecer como sociedad, los Artistas no verán su trabajo reconocido como tal mediante el precio de venta de sus obras.

Las administraciones públicas, las empresas privadas relacionadas con el Arte y los propios Artistas deben redoblar sus esfuerzos para dejar de presentar el Arte como algo superfluo y presentarlo como algo vital para el individuo y la sociedad en su conjunto.

Sigo pensando que mientras no se enseñe el Arte como algo imprescindible para el bienestar emocional (casi espiritual) del común de los mortales, mientras se siga presentando el Arte como un lujo al alcance de pocos, los Artistas no podrán ver valorados sus trabajos como deberían serlo.

Hay Artistas y obras de Arte para todos los gustos y a todos los precios.

El Arte tiene un precio que hay que pagar para disfrutar mucho tiempo de una emoción que hemos sentido al descubrir una obra.
Sea este precio bajo o elevado, según el bolsillo de cada uno,  ES la valoración del trabajo de los Artistas.

Hay obras de todos los precios, pero todas... todas tienen un precio. 

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¿ENTERTAINMENT PARA MILLONARIOS?

Seguimos con las preguntas sobre el valor (valor estético, financiero y en su concepto) del Arte contemporáneo y las diversas opiniones al respeto... es que el Arte cada día más da origen a mucha polémica. No es nuevo, pero seguimos con ello.

Hoy son opiniones de una persona reconocida del mundo de la Cultura francesa y europea : Marc Fumaroli que ha presentado recientemente, en Barcelona, su libro "París-Nueva York-París" - Viaje al mundo de las artes y las imágenes - de la editorial Acantilado.

La expresión artística, ha pasado de plasmar imágenes (en dibujo, grabado, pintura y escultura) en el Arte clásico, a evocar ciertas sensaciones y escenificar ciertos conceptos en el Arte contemporáneo. Al Arte figurativo se ha añadido el Arte abstracto y el Arte conceptual. Este hecho es más importante que lo que puede parecer a primera vista.

A partir del momento que los Artistas han empezado a expresarse de otra manera, sobre otras bases y con otros fines... han empezado a generalizarse (antes eran puntuales) las polémicas sociales que ya consideramos inherentes al Arte contemporáneo.

Actualmente, los temas de las polémicas más recurrentes son dos :

1º) EL ARTE CONTEMPORÁNEO ESTÁ DESPRESTIGIADO POR LA FORMA ESTÉTICA O EL MENSAJE QUE TRANSMITE

Algunas obras son polémicas en si mismo, que sea por su contenido, por su estética o su mensaje.

Si los criterios de una crítica sobre una obra son su extrema perfección en su factura y su adecuación al "social y políticamente correcto" del momento, está claro que esta crítica desprestigia totalmente la obra

- cuando la estética de la obra choca brutalmente con los gustos de la persona que hace esta crítica,

- cuando el mensaje o el concepto que quiere transmitir es precisamente todo lo contrario : una denuncia de lo "social y políticamente correcto" motivo de la obra.

Más "fuerte" es una obra en su estética, mensaje o contenido, más virulenta es la polémica.

Lo que pasa es que cada día hay más y más obras "fuertes" que generan más y más críticas, a favor y en contra, y polémicas virulentas... y cada vez más, estos temas llegan al conjunto de la sociedad porque, cada vez, hay más información y comunicación.

Lo malo es que los medios de comunicación hacen mucho hincapié en estas polémicas, porque lo escandaloso vende más... Al final, la sociedad percibe el mensaje que el Arte contemporáneo es, en su esencia, un asunto de polémica. Mal asunto, creo yo.

2º) EL ARTE CONTEMPORÁNEO ESTÁ DESPRESTIGIADO POR LOS PRECIOS QUE ALCANZAN CIERTAS OBRAS POLÉMICAS

Los precios alcanzados en ventas directas o en salas de subastas pueden ser muy considerables. Pueden llegar y llegan a millones de dólares (con dos décimas).

Cuando se trata de Arte clásico no parecen ser cifras tan escandalosas.

Cuando se trata de obras modernas o contemporáneas, la opinión social y los diversos agentes culturales (críticos de Arte, comisarios de exposiciones, personalidades de los museos, periodistas especializados, etc...) lo pueden considerar como abusivo.

Cuando se trata de obras que son objeto de polémicas virulentas, los altos precios que se pagan por ellas, pueden llegar a ser un verdadero escándalo social.

Mi opinión sobre todo eso es que debería haber más tolerancia hacia la expresión artística. Si no te gusta algo, nadie te obliga a admirarlo. Nadie te obliga a que te guste. Puedes criticarlo pero en su estética o forma, nada más.. y sobre todo precisar que es TU opinión personal, sin sentar cátedra (por favor).

Debería haber más tolerancia hacia la libertad de cada persona de pagar tal o tal precio con su propio dinero. Si un/a millonaria/o quiere gastarse mucho dinero por una obra, me da igual que sea por entertainment, por pura y dura inversión de su dinero, porque es para el o ella una manera de marcar su estatus social, porque esta obra le haya llegado al alma o porque es fan de un Artista. Existen miles y miles de obras a todos los precios, adaptadas para todos los bolsillos que sean bolsillos de millonarios o bolsillos de gente corriente.

Otra cosa MUY DISTINTA es si se compra con dinero público. En este caso, consideraría prudente y aconsejable que no se compre a precios muy elevados obras que hayan sido muy polémicas, precisamente por eso, porque han sido objeto de virulentas polémicas y puede que no sea del agrado de la mayoría de la sociedad en que los dineros públicos se gasten en esas obras.

Dicho todo eso, en lo que se denomina actualmente "Arte contemporáneo" no sólo cabe el Arte vanguardista (que haya sido objeto de escándalo y polémica o no), según una/o podría pensar viendo lo expuesto en las galerías "in" o lo que recibe críticas estupendas por su aspecto vanguardista, sino que caben TODAS las obras hechas actualmente porque eso significa "contemporáneo" = "existente en el mismo tiempo que otra persona o cosa" / "Perteneciente o relativo al tiempo o época en que se vive" / "Perteneciente o relativo a la Edad contemporánea".

Todas las polémicas actuales sobre el Arte contemporáneo tienen su origen en la sensación generalizada de que el Arte contemporáneo es únicamente lo vanguardista (objeto o no de polémica) y eso es un error monumental que debería empezar a ser corregido... con el esfuerzo de todos (agentes del Arte, amantes del Arte, Artistas Y medios de comunicación), para presentar a la sociedad Artistas con A mayúscula, que sean vanguardistas o no lo sean, y que vendan sus obras a precios muy altos o los vendan a precios más asequibles. Lo malo es que se presente a la sociedad el concepto de lo único que se puede considerar Arte sólo si el precio de la obra es extremadamente alto.

Tenemos que conseguir entre toda/os que el Arte contemporáneo vuelva a ser parte de la sociedad en su conjunto y no sea exclusivamente asuntos de polémicas o asuntos de "enternaiment" para millonarios. No me cansaré de repetir que entre toda/os debemos conseguir reconciliar la sociedad con su Arte, el Arte contemporáneo en su totalidad. Lo piden voces influyentes del mundo de la Cultura y del Arte. Lo necesita la sociedad en su conjunto.

Si quieres leer (te lo aconsejo) los artículos que han sido al origen de mi reflexión personal que publico hoy en este blog, allí te los dejo :

Artículo del 28/09/2010 en El País.com, clica AQUÍ

Artículo del 28/09/2010 en Público.es, clica AQUÍ

Artículo del 01/10/2010 en El Cultural.es (del Mundo.es), clica AQUÍ

y si quieres el link del libro de Marc Fumareli, clica AQUÍ

Había escrito este post el viernes pasado (1 de octubre) y se había quedado en el tintero hasta hoy para su revisión. Este lapso de tiempo ha permitido que te aconseje leer la reciente experiencia de un Artista contemporáneo español, Guillermo Martí Ceballos, en su lucha para que sea reconocida y difundida su obra, te aconsejo leer el artículo que ha escrito en su blog el sábado pasado. Clica AQUÍ.

Y luego cuéntame cual es tu opinión sobre todo eso... Me interesa.

LA CENSURA SOCIAL ENCADENA EL ARTE

El Arte, igual que cualquier otra acción humana desarrollada en sociedad, corre riesgo permanente de estar atrapado, encerrado, censurado por cadenas que pueden ser impuestas por un colectivo participante de esta sociedad.

¿Porqué?

Precisamente porque vivimos en sociedad y que las diferentes partes de esta misma sociedad a veces chocan entre si por motivos puntuales.

En abril del 2010, saltó una noticia de censura social a una publicidad en Bulgaria (no en Irán o en Afganistán... no, no, en Bulgaria). Recalco el adjetivo "social" porque fue a petición de cierta parte de la sociedad que se retiró el anuncio... Tenía que ver con una publicidad de una famosa revista erótica. Puedes ver el artículo de la noticia clicando AQUÍ si lo deseas. Se trataba sencillamente de una foto de un ojo "vertical" que podía asociarse a la imagen de un sexo de mujer, según como se mire... pero la fuerza de las reacciones de una parte de la sociedad que se sintió ofendida por la imagen ha sido tan fuerte que han tenido que retirarlo.

Esta censura social no sólo se aplica a la publicidad. Se aplica también muchas veces al Arte Contemporáneo en sus obras más provocativas.

Hace poco, surgió una polémica en facebook sobre una foto de Dhikena, una Artista cuyas obras me llegan al alma.

"Nº4 de la serie Préstame Tus Ojos"

Obra de Dhikena

reproducida aquí con su expresa autorización.

Esta foto fue tachada de "vulgar". Se habló de "apología de los pecados, de arte grosero, grotesco, obsceno". Se debatió sobre "los límites de qué se puede o no se puede mostrar". Se argumentó sobre la inter-relación entre el Arte y la Cultura o las diferentes culturas (que no es igual) , sobre el hecho de que la esencia del Arte es la expresión personal de un Artista para que otras personas perciban sensaciones y/o reaccionen con sentimientos. Si eres miembro de facebook y te interesa leer este debate puedes clicar AQUÍ.

La esencia del Arte es provocar en el espectador unas sensaciones (placenteras o no), unos sentimientos (agradables o no). El Artista crea a partir de sus sensaciones, de sus sentimientos pero el espectador es el destinatario del mensaje de la obra. El Artista "provoca" (entre comillas) de esta manera al espectador...

"Una obra que no te dice nada, es eso : nada" según David Guerrero, artista valenciano, en el debate sobre la "Nº4" de Dhikena.

Una provocación intenta llegarte adentro para hacerte reaccionar.

Tu reacción ES la meta de una "provocación", la que el Artista pone en su obra. Puede ser para provocar ternura, sosiego, etc... o reflexión, pensamiento, etc...

Si lo aplicamos al Arte, la meta del artista es buscar TU REACCIÓN a través de las sensaciones y/o de los sentimientos que desata en ti POR MEDIO DE SUS OBRAS.

Puede que tu reacción se materialice en una REFLEXIÓN, una íntima reflexión personal. Y eso siempre es bueno.

Puede que tu reacción desemboque en un DEBATE con otras personas que sienten de otra manera que tú lo haces.

El Arte siempre ha sido fuente de debates... y es bueno que eso ocurra. Una sociedad donde no se debate sobre el Arte es una sociedad donde se censura la Libertad de expresión. Está claro. El debate, si tiene que haberlo, es bueno por naturaleza.

Todo eso.... todo eso es válido sólo si no ha existido en ningún momento, durante el proceso de "fabricación-realización" (que no creación intelectual) de la obra, una voluntad de dañar de cualquier forma a personas. En este caso, en mi opinión, la censura social es justificada. Pero sólo... sólo en estos casos.

Mi conclusión es que debemos quedar siempre en alerta para que la censura social no se convierta en censura de la creación artística. Recalco lo de "siempre" porque... porque nunca se sabe.

No se puede encadenar el Arte. 


No se puede, ni se debe...

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